美術館のコレクション（２００４年度常設第４期展示）　作品一覧

　今回は明治期から現代に至るまでの風景画を通して、日本人洋画家の叙情性やその感覚を探ってみたいと思います。油絵はヨーロッパで生まれた絵画技法で、日本では明治期より本格的に実践されましたが、なかでも風景画は多くの画家によってとりあげられてきたジャンルです。これまで本場ヨーロッパに留学した画家たちは、ヨーロッパの美術館を訪ねた際、風景画に比べて宗教画や歴史画、あるいは肖像画のジャンルが驚くほど多いのに気づいたことと思われますが、それでも日本ではそれらのジャンルが根付くことはありませんでした。教義を伝えたりその人物の偉業を称えたりと、「意味するもの」を伝える手段として成立したこれらのジャンルよりも、日本人画家の多くは感覚的な世界が直接表現できる風景画を選びました。そのことに批判的な見方もできますが、一方で風景を通して叙情性や鋭い感性を表現しつづけたところにすぐれた日本的油絵が生まれたことも否定できません。

　美術館では、一般的に、作り手が完成したと認める作品が多数を占めており、近代以降の作品では、その完成した画面に画家が落款を加えたものが多くなります。今期の第2室では、本画とよばれるこのような完成作品に加えて大下絵も展示しています。

　伝統的な日本画の場合、画家は制作過程に応じた幾種類かの下絵を経て本画にのぞみます。画家は、草稿や小下絵でモチーフや画面構成を模索し、本画の前段階には完成作とほぼ同じ大きさ、同じ構図の大下絵を描きます。下絵類と、それをもとに制作された本画との比較が絵画制作とそれにともなう思考の過程を考える一助になることはいうまでもありません。また、宇田荻邨の《花畑》（大下絵）がそうであるように、行方しれずになってしまった本画を類推することをも可能にするのです。一方で、そのような資料としての役割にとどまらず、純粋に鑑賞画として、本画に負けない生き生きとした魅力をもつ下絵に出会うことも決して少なくはありません。

　西洋美術史では、特定の場所がある芸術潮流を生みだす後押しをした例が見受けられます。16世紀のルネサンスではフィレンツェが、17世紀のバロックではローマが、そして19世紀の印象主義以降の近代絵画ではパリがその役目を果たしました。「都市には磁場がある」とは少々気取った物言いですが、その吸引力は現在の私たちが思い浮かべる観光名所的魅力を超えるものだったに違いありません。一見関係ないように思える、街のそぞろ歩きや、たわいもないおしゃべりは、気づかぬうちに画家の心に沈殿し、同好の士の間に芽生えた連帯感や対抗意識がさらなる歩みを促します。都市とはすなわち、ネットワークでもあると言えるでしょう。それは絶えず収縮と拡張を繰り返し、まるで生命のように成長と衰退を見せるのです。私たちが、そこから生み落とされた作品に向かうとき、膨大な網の結び目をたどっていると言っても過言ではありません。